L’art invisible de l’acoustique : sculpter le silence pour révéler le son

Quand je m’installe dans une salle de cinéma, je suis toujours fasciné par la manière dont le son nous enveloppe. Ce n’est pas seulement une question de volume ou d’effets surround spectaculaires. C’est la clarté d’un murmure, l’impact d’une explosion, la texture d’une musique. Ce que beaucoup ignorent, c’est que cette immersion sonore ne naît pas dans les haut-parleurs, mais bien avant, dans le silence méticuleusement sculpté des studios d’enregistrement. Un silence qui n’est pas une absence de bruit, mais le résultat d’une science précise : l’acoustique. Et au cœur de cette science se trouve un outil aussi discret qu’essentiel : le panneau acoustique.

L’architecture invisible du son et ses principes fondamentaux

Le son, dans une pièce, est une énergie qui se propage, rebondit et interagit avec chaque surface. Sans contrôle, ces réflexions créent un chaos acoustique. On parle de réverbération excessive qui brouille les dialogues, d’échos flottants qui rebondissent sans fin entre deux murs parallèles, ou encore d’ondes stationnaires, des fréquences qui s’accumulent dans les coins et créent un son très inégal. C’est d’ailleurs pour contrer ces problèmes que les normes THX ont vu le jour, établissant que le traitement acoustique était une condition sine qua non. Pour dompter ce chaos, les acousticiens travaillent sur deux fronts principaux : l’absorption, qui vise à calmer le son en captant son énergie pour réduire la réverbération, et la diffusion, qui disperse les ondes sonores pour éviter les échos directs tout en conservant une sensation d’espace. Trouver l’équilibre parfait est un art, car une pièce trop absorbante devient ‘morte’, un défaut que j’ai malheureusement constaté dans certaines salles mal conçues. Pour sculpter cet environnement sonore idéal, les ingénieurs disposent d’une véritable palette d’outils, chacun ayant une fonction précise.

Les absorbeurs pour maîtriser les réflexions

Les panneaux absorbants sont la première ligne de défense contre la réverbération. Leur rôle est de convertir l’énergie sonore en chaleur, ce qui permet d’obtenir un son plus clair. Mais le traitement ne s’arrête pas là. Un problème majeur est la gestion des basses fréquences, qui ont tendance à s’accumuler dans les coins. Pour cela, on utilise des bass traps ou pièges à basses. Ces panneaux, spécifiquement conçus pour les angles rentrants, sont cruciaux pour neutraliser ces ondes stationnaires et garantir des basses propres et définies, sans cet effet boueux qui peut ruiner un mixage.

Les diffuseurs pour un son naturel et vivant

Contrairement aux absorbeurs, les diffuseurs ne suppriment pas l’énergie sonore, mais la dispersent dans de multiples directions. Imaginez un jet d’eau frappant une surface plane par rapport à une surface irrégulière. En brisant les réflexions directes, les diffuseurs comme les modèles Schroeder, basés sur des séquences mathématiques, ou les panneaux polycylindriques avec leur surface courbe, aident à créer un champ sonore enveloppant. Par exemple, un diffuseur Schroeder sur le mur arrière peut empêcher un écho sec de rebondir vers l’ingénieur du son, créant ainsi une perception de profondeur sonore plus riche. Ils sont essentiels pour éviter que la pièce ne sonne trop étouffée, préservant une ambiance vivante indispensable à la richesse d’une bande-son.

Quand la performance rencontre l’esthétique

Heureusement, l’époque où le traitement acoustique était synonyme de murs austères est révolue. J’ai remarqué une tendance croissante vers des solutions qui allient efficacité et design. Pour les studios modernes, il est devenu avantageux de choisir un panneau acoustique en bois qui sublime l’esthétique tout en garantissant une performance sonore de premier ordre. L’utilisation de matériaux nobles permet de créer des espaces de travail qui sont à la fois techniquement irréprochables et visuellement stimulants, un atout non négligeable pour la créativité.

 

Le traitement acoustique en pratique stratégies et expertise

Installer des panneaux ne suffit pas ; leur positionnement est une science. Chaque studio, qu’il s’agisse d’une cabine de doublage ou d’une grande salle de mixage, requiert une stratégie sur mesure. Pour ceux qui débutent, il est utile de consulter un guide détaillé sur le traitement acoustique pour un home studio qui détaille ces principes. Cependant, pour un projet professionnel, la complexité est telle qu’il est souvent indispensable de faire appel à une expertise phonique complète pour un traitement acoustique de studio professionnel, garantissant ainsi des résultats optimaux.

La neutralité absolue de la salle de mixage

La salle de mixage est le sanctuaire de l’ingénieur du son. L’acoustique doit y être d’une neutralité absolue. L’ingénieur ne doit pas entendre la pièce, mais uniquement ce qui se trouve dans son mix. C’est pourquoi on y applique une stratégie complète : des bass traps dans tous les coins, des absorbeurs aux points de première réflexion (les endroits sur les murs et le plafond où le son des enceintes rebondit en premier vers l’auditeur), et des diffuseurs sur le mur arrière. C’est cette fiabilité qui permet de prendre des décisions de mixage qui se traduiront correctement partout.

Dans une salle de mixage, des diffuseurs complexes sont placés stratégiquement pour disperser les ondes sonores et garantir un environnement d’écoute naturel et précis.

Le concept ingénieux du LEDE

Une méthode que je trouve particulièrement fascinante est le concept LEDE (Live End, Dead End). L’idée est de diviser la salle de contrôle en deux zones. La partie avant (‘Dead End‘), où se trouvent les enceintes, est traitée de manière très absorbante pour éliminer toutes les réflexions précoces. La partie arrière (‘Live End‘), derrière la position d’écoute, est traitée avec des diffuseurs pour recréer une ambiance sonore naturelle et agréable. C’est un équilibre brillant entre contrôle total et acoustique vivante.

Le son immersif des productions modernes

Avec l’avènement de formats sonores 3D comme le Dolby Atmos, l’acoustique a pris une nouvelle dimension. Pour créer ces paysages sonores immersifs où le son semble venir de partout, y compris du dessus, des solutions spécifiques sont nécessaires. C’est là qu’interviennent les panneaux ATMOS, spécialement conçus pour être intégrés au plafond. Ils gèrent les réflexions tout en abritant des haut-parleurs orientés vers la zone d’écoute, créant ainsi une bulle sonore cohérente et spectaculaire. C’est une technologie clé derrière l’impact des bandes-son des grands blockbusters actuels.

Au-delà du studio l’héritage d’un son maîtrisé

La prochaine fois que vous serez transporté par l’ambiance sonore d’un film, souvenez-vous que cette magie est née du silence. Un silence non pas vide, mais plein de science et d’intention. Les panneaux acoustiques sont les héros méconnus de cette histoire, les sculpteurs invisibles qui façonnent l’espace pour que le son puisse raconter la sienne. L’essentiel à retenir est que la qualité sonore repose sur trois piliers : un équilibre savant entre absorption et diffusion, un placement stratégique bien plus important que la simple quantité, et aujourd’hui, une fusion réussie entre haute performance et esthétique. C’est un artisanat qui, lorsqu’il est parfaitement exécuté, devient totalement imperceptible, mais qui est pourtant au fondement même de l’émotion cinématographique.

L’évolution des effets spéciaux au cinéma : de l’artisanal au numérique

Le cinéma, art de l’illusion par excellence, a toujours cherché à repousser les frontières du réel. Des trucages des premiers films aux images de synthèse actuelles, les effets spéciaux ont transformé le septième art, enrichissant notre expérience de spectateur. Découvrons ensemble les étapes clés et les innovations qui ont jalonné cette évolution fascinante.

Les pionniers : l’ingéniosité au service de la magie

L’histoire des effets spéciaux commence avec des magiciens, littéralement ! Georges Méliès, illusionniste de talent, est considéré comme le père des effets spéciaux. En 1902, son film “Le Voyage dans la Lune” émerveille le public avec ses techniques artisanales : surimpressions (superposer plusieurs images), décors peints et un montage ingénieux. Comme le raconte Flakom, Méliès découvre la substitution par un heureux accident : une panne de caméra transforme un autobus en corbillard à l’écran ! Cette anecdote illustre l’esprit d’expérimentation qui régnait à l’époque. Méliès utilisera par la suite des maquettes, des jeux de lumières et mécanismes cachés, comme le montre si bien l’article de Kanibal Films.

L’âge d’or des techniques manuelles et mécaniques

Jusqu’aux années 1980, les effets spéciaux restent principalement artisanaux. Les créateurs rivalisent d’ingéniosité, utilisant maquettes, sculptures, maquillages élaborés et trucages mécaniques. Des films comme “2001, l’Odyssée de l’espace”, “Les Dents de la Mer” ou la saga “Retour vers le Futur” doivent beaucoup à ces techniques. L’article de Kanibal Films souligne l’importance de la stop motion, popularisée par “King Kong” (1933), où des figurines sont animées image par image. L’animatronique, technique utilisant des créatures robotisées, a aussi marqué l’histoire, donnant vie, par exemple, aux dinosaures de “Jurassic Park”.

La révolution numérique : l’avènement du CGI

Les années 1990 marquent un tournant majeur avec l’arrivée du numérique et des images de synthèse (CGI). “Jurassic Park” (1993) est souvent cité comme le film ayant révélé au grand public le potentiel du CGI. Ses dinosaures, incroyablement réalistes pour l’époque, ont changé la donne. Cependant, les prémices de cette technologie remontent aux années 1960, comme l’explique Futura Sciences. Des films comme Mondwest (1973) et Tron (1982) ont été les premiers à explorer l’infographie, ouvrant la voie à une nouvelle ère. Tron se distingue particulièrement par son utilisation novatrice du CGI, combiné à des prises de vues réelles, préfigurant les futures possibilités. Allociné rapporte d’ailleurs que la première utilisation de CGI dans un long-métrage remonte à 1976 avec Les Rescapés du Futur.

La performance capture et l’immersion totale

La performance capture, une avancée majeure du numérique, permet de capturer les mouvements et expressions d’un acteur pour les appliquer à un personnage virtuel. Gollum, dans “Le Seigneur des Anneaux”, en est un exemple frappant. Andy Serkis, grâce à cette technique, a donné vie à ce personnage complexe, marquant une prouesse technologique et artistique. James Cameron a ensuite repoussé les limites avec “Avatar”, créant les Na’vi entièrement en performance capture, offrant une immersion et un réalisme sans précédent. Tomsguide souligne d’ailleurs l’évolution spectaculaire des effets spéciaux entre le premier et le deuxième Avatar, notamment dans le rendu de l’eau.

L’alliance des techniques : l’art de la complémentarité

Malgré la puissance du numérique, les techniques artisanales perdurent. De nombreux réalisateurs combinent effets pratiques et numériques pour un rendu optimal. Maquettes, maquillages et animatroniques apportent texture et réalisme, souvent en complément du CGI. Filmustage cite Michael Lantieri, qui a combiné ces techniques sur “Qui veut la peau de Roger Rabbit ?” et “Jurassic Park”. Des films récents comme “Dune” de Denis Villeneuve, avec ses décors réels et ses effets numériques subtils, ou les films “Mad Max”, avec leurs cascades “en vrai”, illustrent cette tendance. L’article de Rebelway met d’ailleurs l’accent sur l’importance de l’héritage des techniques traditionnelles.

Enjeux actuels et perspectives d’avenir

Les effets spéciaux, même numériques, font face à des défis. Le réalisme des visages numériques, par exemple, reste complexe. Le coût des technologies est aussi un facteur limitant. C’est là qu’intervient l’intelligence artificielle.

L’intelligence artificielle : une nouvelle révolution ?

L’intelligence artificielle (IA) est en passe de transformer le domaine des effets spéciaux. Comme le souligne VL Média, l’IA pourrait automatiser des tâches, accélérer la production et améliorer les simulations. “The Irishman”, avec son rajeunissement numérique des acteurs, en est une illustration. L’IA permet aussi de créer des effets de foule plus réalistes et de générer des paysages, comme le précise Futura Sciences, grâce aux travaux de Benoît Mandelbrot sur les fractales. CNC souligne également le rôle de l’IA dans la création d’effets dits “invisibles” qui améliorent le réalisme des films.

L’excellence française : une tradition d’innovation

La France occupe une place de choix dans l’histoire des effets spéciaux. Libération rappelle que, dès Georges Méliès, la France a été pionnière. Aujourd’hui, le secteur connaît un renouveau, stimulé par les plateformes de streaming et les investissements. Des films comme “Vermines”, “Acide” ou “Le Règne animal”, qui a remporté le César des meilleurs effets visuels, témoignent de cette vitalité. CNC met aussi en avant le savoir-faire français, reconnu mondialement.

L’impact économique et culturel

Les effets spéciaux représentent un enjeu économique majeur pour l’industrie cinématographique. Les budgets des blockbusters, souvent colossaux, sont en grande partie consacrés aux effets visuels. La demande croissante pour des effets toujours plus spectaculaires crée des emplois et stimule l’innovation technologique. Culturellement, les effets spéciaux contribuent à forger notre imaginaire collectif, en donnant vie à des univers et des créatures qui marquent les esprits. Des films comme Star Wars ou Avatar sont devenus des phénomènes culturels, en partie grâce à leurs effets visuels innovants. Les Inrocks propose d’ailleurs un montage vidéo retraçant l’évolution des effets spéciaux récompensés par un Oscar.

Conclusion : vers un futur toujours plus immersif

L’histoire des effets spéciaux est une épopée marquée par l’ingéniosité, la créativité et l’innovation technologique. Des premiers trucages de Méliès aux mondes virtuels immersifs d’aujourd’hui, chaque époque a repoussé les frontières du possible. L’hybridation des techniques, l’essor de l’IA et l’émergence de la réalité virtuelle ouvrent des perspectives passionnantes. Le cinéma poursuit sa transformation, nous promettant des expériences cinématographiques toujours plus spectaculaires et immersives.

Des films qui mettent les femmes à l’honneur

Vous aimez le cinéma, et découvrir de nouveaux films sur des sujets variés ? Dans ce cas, cet article est fait pour vous ! Nous vous présentons tout de suite une liste de films qui mettent les femmes à l’honneur, quelle que soit leur époque. A vous de très bonnes soirées cinéma, sur le thème des femmes !

1. Marie-Antoinette

Ce film de 2006 a été réalisé par Sofia Coppola. Comme son titre l’indique, il s’agit de l’histoire de la reine Marie-Antoinette, et de son funeste destin à la couronne de France. Une très belle histoire, qui vous fait pénétrer dans les décors du château de Versailles et vous emmène à travers le destin d’une femme particulière.

Les robes de l’époque mettent parfaitement en avant les femmes, ce qui pourrait vous donner envie de profiter des services de Motiva pour obtenir la poitrine de vos rêves, réalisée par des experts des prothèses mammaires.

2. Les filles du docteur March

Le film Little Women est sorti en 2019, et retrace l’histoire des filles du docteur March. Il s’agit d’un très beau film américain, dramatique, et réalisé par une femme. Il s’agit en réalité d’une adaptation du roman de Louisa May Alcott de 1868, qui parle de la vie des femmes de la famille lorsque leur père par pour la Guerre de Sécession en Nouvelle-Angleterre. Une histoire à découvrir au plus vite.

3. La leçon de piano

Ce film sorti en 1993 est l’un des classiques du cinéma. De plus, il met magistralement en valeur les femmes, dans une histoire des plus touchantes. Ce film fut lui aussi réalisé par une femme, Jane Campion, et il s’agit d’une adaptation d’un roman de Jane Mander. Il raconte l’histoire d’une jeune femme écossaise, qui est envoyée en Nouvelle-Zélande pour épouser un colon. Le piano est la seule manière que cette femme utilise pour s’exprimer. Il fait partie des 5 films à voir absolument que nous vous conseillons.

4. Volver

Cette fois, direction le sud et l’Espagne, avec le film Volver, réalisé par Pedro Almodovar, avec comme actrice principale Pénélope Cruz. On retrouve la vie de cette femme et des autres femmes de sa famille, dans les quartiers de Madrid réservés à la classe ouvrière. Un film riche en découvertes, typique du style de Pedro Almodovar.

Tournage d’un film : l’importance des costumes

Lors du tournage d’un film, les costumes jouent une certaine importance. Qu’il s’agisse d’un film d’époque, ou même d’un scénario qui se passe de nos jours, il est essentiel de réfléchir aux costumes que pourront porter les acteurs. Voici pour quelles raisons le choix des costumes devrait être pris au sérieux :

Les costumes permettent de définir la personnalité des personnages

Les costumes participent à l’univers global du film, et ils vous aident également à définir la personnalité des personnages principaux. Lors du tournage d’un film, c’est également un moyen d’aider les acteurs à se plonger dans leur rôle et dans le caractère de leur personnage.

Pour cela, il est possible d’utiliser tous types de costumes. Les actrices féminines pourront porter des jupes ou des robes plus ou moins courtes selon leur rôle, des couleurs pour une personne joyeuse ou au contraire des tenues plus strictes en fonction de leur travail ou d’une personnalité plus renfermée. Les costumes sont à étudier de prêt pour travailler la psychologie d’un personnage, et ils font partie intégrante du jeu d’acteur. Par exemple, dans la série The Crown, les costumes d’époque participent au décor et nous plongent au plein cœur des histoires de la couronne britannique.

Aider le spectateur à plonger dans l’univers du film

Dans certains cas, le choix des costumes est également plus que primordial, pour ne pas faire de faux pas par rapport à l’univers du film. Un film dont le scénario se déroule dans l’espace devra avoir des costumes en adéquation ! De la même manière, dans un film d’époque, mieux vaut éviter les baskets et les marques plus récentes !

On retrouve ce soin des détails dans certains grands films du cinéma, comme cela est le cas de Le Bon, la Brute et le Truand. Et vous, que pensez-vous des costumes de cinéma ?

5 films à voir absolument

Vous aimez les films et êtes passionné par le cinéma ? Dans ce cas, il se peut que vous ayez déjà visionné certains films de notre liste. Si ce n’est pas encore fait, découvrez-les au plus vite ! Il s’agit de films mythiques, que vous prendrez certainement plaisir à découvrir, que ce soit seul, en couple, entre amis, ou même en famille. Nous en avons sélectionnés 5 spécialement pour vous :

Fight Club

Il s’agit d’un film de David Fincher, sorti en 1999. On y retrouve notamment Brad Pitt, Edward Norton, ou encore Helena Bonham Carter. Ce film raconte l’histoire d’un expert en assurance insomniaque, qui découvre lors d’un voyage un personnage charismatique, avec lequel il décide de créer le Fight Club. Ce club les aide à se défouler et à remettre en question la société.

Orange mécanique

Orange mécanique est un film culte de Stanley Kubrick, sorti en 1971. Ce film de science fiction se déroule en Angleterre. Chaque nuit, des adolescents violents partent à l’attaque et heurtent tous ceux qui croisent leur chemin.

Si ce film vous passionne, pensez à jeter un œil sur https://dearsam.fr/ afin d’y trouver une affiche du film ! Sur ce site, vous pourrez retrouver de nombreux posters dans des couleurs et des thèmes variés, parfaits pour décorer une chambre ou un salon. Des posters sur le thème du cinéma pourraient vous intéresser !

Vol au-dessus d’un nid de coucou

Il s’agit cette fois-ci d’un film de Milos Forman, réalisé en 1975, et qui a pour acteur principal Jack Nicholson. Il nous emmène à la découverte d’un asile psychiatrique et de ses secrets. Un film prenant, de plus de 2 heures, qui vous fera certainement passer du rire aux larmes en quelques secondes.

Shining

Encore un film où l’on retrouve Jack Nicholson ! Et là encore, la folie n’est pas bien loin pour le personnage de Jack Torrance. C’est un film de 1980, de Stanley Kubrick. On y suit l’hiver du gardien et de sa famille, isolés dans un grand hôtel du Colorado. Alors que le gardien tente de se remettre à l’écriture, il s’isole de plus en plus dans la folie, mettant en danger sa femme Wendy et son fils. Shining est un film inspiré du roman de Stephen King.

Into the Wild

Enfin, le dernier film de notre liste n’est autre que Into the Wild. Plus récent, il fait son arrivée dans les cinémas du monde entier en 2007. Réalisé par Sean Penn, il nous emmène sur les traces de Christopher, un brillant étudiant qui décide de laisser ses études derrière lui pour partir à l’aventure. Un film saisissant, à la découverte de paysages époustouflants.

Le métier de décorateur scénographe dans le cinéma

Mieux connu sous l’appellation “set designer”, le décorateur scénographe est un des architectes invisibles de l’industrie cinématographique. Véritable fourmi laborieuse, la personne en charge de cette mission multiplie les casquettes. Expert de la décoration d’intérieur et d’extérieur, historien, chercheur, designer de mode et styliste, il doit pouvoir satisfaire les attentes, parfois ahurissantes, de chaque projet. Au théâtre comme au cinéma, le décorateur scénographe est l’un des plus grands architectes de l’immersion du public dans chaque scène.

Décorateur d’intérieur et historien

Ce n’est pas un hasard s’il y a une catégorie aux Oscars qui récompense les meilleurs décors. Le cinéma est un média visuel avant toute chose. Les éléments qui s’affichent à l’écran participent – parfois plus que l’action qui s’y déroule – à l’immersion des spectateurs. Le décorateur scénographe a pour mission de choisir chaque élément qui apparaît dans le décor et d’en parfaire le positionnement.

Si dans le script du film, il est prévu de placer un tapis dans une pièce, c’est au set designer de choisir le type de tapis en fonction de différents critères. Par exemple, quelle est l’époque du film, où se déroule la scène géographiquement parlant, quelle est la situation financière ou l’appartenance sociale du personnage, et ainsi de suite. Par exemple, dans un pays oriental, on retrouvera un tapis kilim traditionnel plutôt qu’un tapis en matière synthétique. En effet, le choix des mauvais éléments de décor peut briser l’illusion soigneusement ficelée tout au long du film. C’est donc une mission d’historien chercheur qu’il doit mener à bien. Et parfois, comme dans Forest Gump sa mission le mènera à traverser plusieurs époques.

Le décorateur scénographe doit également pouvoir refléter le caractère ou des messages subliminaux à travers la décoration d’intérieur associée à différents personnages. Le luxe, le caractère sobre, le caractère chaleureux ou même le “mauvais goût” d’un lieu peuvent envoyer un message de taille. C’est ce qu’on constate dans des films comme Le Parrain où des éléments du décor participent discrètement à certains tournants du récit.

Styliste et créateur de mode

Tous les films ne se déroulent pas dans le passé. Pour des films dont l’action se situe dans des mondes imaginaires et/ou futuristes, le décorateur scénographe doit également opérer sa magie. À quoi ressemblerait le décor d’un monde fantastique où la magie existe encore ? De quoi aurait-on besoin dans le cockpit d’un vaisseau spatial ? Telles sont les questions qu’ils doivent parfois se poser pour mener leur mission à bien.

Celle-ci se corse encore dans des films comme Alien où la dimension futuriste est croisée au genre “horreur”. Pourtant, au regard de ces films, on se rend bien compte de la maîtrise excellente des décorateurs scénographes qui ont contribué à ce chef-d’œuvre.

Dans un film tel que Black Panther, le décorateur scénographe devait allier la tradition vestimentaire, les décors architecturaux, le design des costumes et même la technologie semi-futuriste d’une nation fictive. Le tout, en conservant une certaine harmonie avec les autres éléments contemporains du film. Un exploit qui a valu à la cheffe décoratrice Hannah Beachler d’être saluée pour son travail.

Les acteurs qui ont joué le personnage de James Bond

A la base, James Bond est un personnage de fiction imaginé par Ian Fleming, illustre écrivain et ancien espion britannique. Au fil du temps, ce personnage sensationnel inspirera d’autres écrivains tels que Kingsley Amis, Charlie Higson, William Boyd et bien plus encore. John Pearson ira même jusqu’à imaginer une biographie du célèbre espion 007. Plus tard, certains ouvrages seront adaptés au cinéma et ces adaptations cinématographiques rencontreront un succès inattendu. Au total, on enregistrera 26 adaptations de James Bond dont la première fut diffusée en 1954.

C’est exactement le genre de film que vous pouvez suivre en famille ou tout seul, en dégustant un délicieux gâteau commandé sur votregateau.fr, vous aurez une grande variété de choix qui répondra à vos exigences. Au fil des années, plusieurs acteurs se sont prêté au jeu de l’espion britannique. Les plus jeunes cinéphiles connaissent probablement Daniel Craig, qui figure d’ailleurs parmi les meilleurs James Bond de l’histoire. Mais comme vous pouvez vous en douter, d’autres acteurs tout aussi talentueux se sont eux aussi illustrés dans le rôle de 007. Dans cet article, nous avons passé en revue la liste des acteurs qui ont joué le personnage de James Bond depuis les origines à nos jours.

  • Sean Connery : qui a joué dans ‘’DR. NO de 1962”, “From Russia with Love” de 1964, “Goldfinger” de 1964, “Thunderball” de 1965, “You only live twice” de 1967, “Diamonds and forever” de 1971, et “Nerver say nerver again” de 1983,
  • David Niven : il s’est illustré dans « Casino Royal » sorti en 1967,
  • George Lazendy : a joué James Bond dans « On her majesty’s secret service » diffusé en 1969,
  • Roger Moore : qui a joué l’agent 007 dans “Live and let Die”, “The man with the golde dun”, “A View to a Kill”, “Moonranker” et “Octopussi”, sortis respectivement en 1973, 1974, 1985, 1979 et 1983,
  • Timothy Dalton, acteur principal dans “The living daylights” sorti en 1987 et “License to Kill”, sorti en 1989.
  • Pierce Brosman, dans “GoldenEye”, “Tomorrow never dies”, “The world is not enough”, “Die another day” sortis tour à tour en 1995, 1997, 1999, et 2002.
  • Daniel Craig qui joue James Bond dans « Casino Royal », « Quantum of Solace », « Skyfall », et « Spectre » sortis en 2006, 2008, 2012, 2015.